人們迷戀場景所創造的能量。1960年代，La Mode En Images創辦人Olivier Massart首次將音樂、製作與場景設計結合，開創現代時裝展的先河；60年後，在Emmanuel Heimann帶領下，這家公司以沉浸式的感官體驗，持續為世界製造「渴望」。
Balenciaga Fall-Winter 2026 Haute Couture Fashion Show by Pierpaolo Piccioli in Paris, produced by La Mode en Images
每年時裝周期間，編輯、買手與嘉賓被邀請進入一個個被重新定義的空間：燈光、結構、聲音、材料，共同構築出一個限定的平行世界。創意總監帶領團隊，將時代美學、社會情緒與品牌檔案縫進服裝；而展場設計，則把暗含在每個季度故事中的抽象願景化為可被感知的現場。
Balenciaga FW26 Photo by Saï Stéphane Aït Ouarab
「一場成功的時裝展能做到一件非常具體的事：它創造渴望。對系列的渴望、對品牌的渴望、對品牌正在構建的世界的渴望。」La Mode En Images全球董事總經理Emmanuel Heimann這樣說道。經歷了全球疫情的衝擊，展場設計的地位反而展現了前所未有的韌性，品牌們不惜耗資百萬打造限時空間，建立「相信」與「渴望」的力量。La Mode En Images，正是這個造夢行業裏最資深的名字之一。
一場成功的時裝展能做到一件非常具體的事：它創造渴望。對系列的渴望、對品牌的渴望、對品牌正在構建的世界的渴望。
Emmanuel Heimann
無可取代的影響力
要理解La Mode En Images的影響力，首先要看它與創意總監之間的長期關係。從Nicolas Ghesquière到Jonathan Anderson，再到Demna，這些時尚界最具分量的名字，都與這家公司有着超過10年的合作。理解一個品牌需要時間：「理解他們的願景，意味着要在跨季節、跨系列的合作中持續投入。」放眼業內，La Mode En Images是為數不多與各大品牌都有着默契的合作對象，這種深度，來自於時間的累積，也來自於一個簡單卻極其困難的原則：可靠。
每年，La Mode En Images在全球製作80到100場時裝展。從巴黎、紐約到上海、杜拜，從Louis Vuitton、Balenciaga到Loewe，這些品牌願意把每個季度最重要的10至12分鐘交到他們手上，是因為知道「我們承諾的事情一定會兌現，製作過程中的一切只會留在內部。」Emmanuel Heimann說，可靠性和保密性，是在行業運作中不可妥協的原則。
Louis Vuitton FW26, La Mode en Images, © Saï Stéphane Aït Ouarab
但La Mode En Images真正令人印象深刻的，是它對「現場」與「科技」的重新解讀。近年來，每場時裝展都必須面向雙重觀眾：現場幾百位來賓，以及透過手機熒幕即時觀看的全球數百萬人。Heimann說：「我們不僅為現場的400人製作活動，也為外面數百萬將在網絡或社交媒體上看到它的人們。」為此，科技扮演着雙重角色：「在現場，它可以創造一種無法複製的儀式感和即時體驗；對線上觀眾，它需要能夠轉化，產生在短視頻中和親臨現場一樣引人入勝的時刻。」
Emmanuel Heimann特別舉例Coperni 2023春夏時裝展上，Bella Hadid那件在現場被噴塗成形的白色連身裙：「現場觀看時就令人驚嘆，同時它也產生了一個單一而有力的視覺影像，在幾秒鐘內傳達了整個理念。這種一致性，來自品牌、設計師和製作團隊以非常清晰的共同意圖協同工作。」這種協同，是La Mode En Images的核心。
Louis Vuitton、Maison Margiela，那些不斷被探索的極限
若將目光拉回最近一季，La Mode En Images在2026秋冬時裝周期間交出的成績單，幾乎覆蓋了時尚版圖上最耀眼的幾個名字：Louis Vuitton 2026秋冬時裝展將羅浮宮卡利庭院化作一片融合自然與未來主義的抽象景觀；Tom Ford則反其道而行之，選用純白長椅和伸展台，營造出極簡而私密的時尚張力。稍早前的Dior 2026春夏高訂系列，更鋪滿了苔蘚與仙客來，邀請觀眾進入Jonathan Anderson的高訂樂園。Heimann回顧道，這些項目「各有截然不同的任務、觀眾群體，以及對時裝展所需達成目標的定義」，但它們背後的根本問題是一樣的：如何在品牌歷史的這個時刻，以既忠於品牌身份、又能與場外世界真誠共鳴的方式完成敘事。
其中，他特別提到了Maison Margiela在上海的時裝展。La Mode En Images將貨櫃融入天橋設計，讓工業物件與品牌美學彼此纏繞。在Heimann眼中，這個項目之所以突出，是因為「它證明了我們在巴黎所堅持的標準，在亞洲製作時也能完全體現。」亞洲市場是Heimann團隊無法忽視的存在，中國的奢侈消費群體，是世界上最成熟、最投入的一群，他們「會仔細觀看每一場製作，並且有很高的期望」。這意味着，在巴黎能完成的，在上海也必須做到，甚至更好。從成果上來看，La Mode En Images做到了。
創造「渴望」
但這些光鮮的成果背後，是不為外人道的重量：「從外部最難看到的挑戰，是持續承擔對品牌的責任。」一場時裝展是品牌日程中最重要傳播時刻之一，品牌的聲譽、創意總監的願景、媒體和市場的反應，全部濃縮在12分鐘裏。每個製作都會遇到問題：技術故障、供應鏈問題、最後一刻的創意變更。La Mode En Images的真正工作，是「培養那種以隱形、持續的方式吸收複雜性的能力」，在同時進行的多個製作中保持穩定。Heimann坦言，這也為新進者和較小的競爭對手創造了真正的進入門檻。
Gucci Fall 2026, Photo by Swan Gallet/WWD via Getty Images)
談及未來，Heimann保持着清醒的樂觀。現場時裝展展現出了非凡的韌性。每當業界預測它將被數位形式取代，它都回歸到同樣的基本形式，因為還沒有任何東西能取代現場所提供的情感連結。「現場時裝展仍然是頂尖品牌最強大的傳播工具。」但演變的是製作的環境和受眾。如今一場大型時裝展的全球影響力是驚人的，製作決策必須同時考慮現場與線上所有情境。可持續性也成了無法迴避的課題，Heimann說：「大型裝置的建造和拆除會造成環境成本，產業需要更迫切地解決這個問題。」
從1981年成立至今，La Mode En Images見證並引領了展場設計行業的工業化與全球化。它的創辦人Olivier Massart在60年代首次將音樂、製作與場景設計結合在一起，奠定了我們今日所熟知的時裝展形式。如今，這家公司仍然站在同一個位置：把創意總監腦中的世界，在12分鐘內變成所有人眼前的事實。這是一幅隱藏在背後的「藍圖」，而它最成功的時刻，正是觀眾感覺一切「理應如此」的那一瞬間。在這背後，是數百個正確的決策，以及一個行業對「渴望」的持續創造。
