當一件衣服真正回到人的身上

我們正處於服裝選擇極度充裕的時代。趨勢透過社交媒體高速流動，設計、影像與購物之間的距離被大幅縮短。然而當螢幕關閉、話題退潮，衣服回到穿著者的日常生活中，它還剩下甚麼？對 Rokh Hwang 而言，答案始終與身體有關。他判斷服裝的方式極為直接：「我個人更喜歡看到服裝真正被穿在真人身上的模樣。」他認為好衣服可以具備戲劇性，但最終仍需回歸穿著者本身；當女性穿上它能感到舒適自在且美麗時，服裝便完成了一次真正的交流。

這種觀點深深植根於 ROKH 的品牌基因——品牌以精準剪裁、模組化輪廓與細膩工藝建立語言，服裝隨穿著者的姿態而改變、扣合與重組。精準結構中保留手工製作的溫度，讓細微痕跡成為服裝生命的一部分。Rok 將傳統男裝的俐落結構帶入女裝，並調和比例與柔軟度，「品牌最初的創立理念，便是將陽剛與陰柔元素融合。」他說。當女性穿上帶有男裝氣息的剪裁，服裝結構與女性身體之間便產生新的平衡，成為 ROKH 最具辨識度的風格。

談及下一個系列的靈感，他沒有闡述一個宏大的藝術概念，反而回到工作室裏最日常的工作：「如今我的靈感來源，始終回歸到『如何剪裁布料』這件事上。」每天反覆剪裁、縫合與調整布料，看似基本的製衣程序，卻是他創作真正發生的時刻。無論機能性結構或經典風衣，設計最終都需透過手與布料的反覆試驗，找到最貼合身體的比例。

對新銳設計師而言，熱愛只是開始

今年 YDC 2026 以「YOU.」為宣傳主題，將創作起點回歸設計師自身。參賽作品來自不同生命經驗，有人從迷惘出發，有人回望童年或以四季象徵人生階段。對年輕創作者而言，私人經驗是直接的靈感，但關鍵在於如何將其轉化為具備服裝價值、設計語言與市場可能性的作品。身為評審的 Rok 對此過程深有共鳴，因為他同樣走過確立品牌語言的道路。

談及評審標準，他最重視的是工藝、投入程度與對作品的熱愛。「我最看重的是他們的工藝水準、投入程度，以及對自身作品的熱愛。」在他眼中，這份熱愛會直接反映在細節打磨與概念深度上。唯有設計師真心相信自己的創作，作品才能引發受眾的共鳴。

這也是 Rok 對年輕設計師的理解。他認為今天的年輕人與他剛畢業時一樣熱愛時尚與工藝，也同樣會在起步階段感到迷惘。然而外部環境已然不同：今天的設計師需在更密集的資訊與快速的市場節奏中建立定位，社交媒體帶來曝光的同時，也讓他們更早面對市場反應。

曾經歷 LVMH Prize 國際曝光的 Rok，深知重要平台對新銳品牌的意義：「我品牌最大的轉捩點，其實與今天這個比賽十分相似。當年我曾入圍 LVMH Speciel Prize 大獎，因而獲得了極大的國際曝光與關注。」這段經驗讓他明白，平台能讓優秀作品跨越原本的圈層，獲得進一步發展的契機。

Rok 自身的成長軌跡也是一段不斷尋找視角的過程。出生於韓國、成長於美國奧斯汀，十九歲移居倫敦後他才確定邁向時裝設計。不同文化環境之間的移動，讓他習慣從多元角度觀察世界，加上 Central Saint Martins 的訓練以及 Céline、Chloé、Louis Vuitton 等時裝屋的磨練，逐步將觀察轉化為成熟的設計方法。這些經歷也塑造了他對「觀察」的重視：先理解外面的世界，再慢慢找到自己。

從「我想做甚麼」走向「誰會穿它」

個人品牌最容易令人着迷的部分，是設計師可以從自身出發，建立一個高度個人化的世界。然而，當品牌開始真正進入市場，設計師便需要面對另一個現實：一件衣服需要被生產、被售賣，也需要找到願意長期穿着它的人。這亦是 Rok 在與 H&M、GU 等大型品牌合作後獲得的重要經驗。

這種從穿著者出發的思考，在他於 Céline 工作時便已萌芽。Phoebe Philo 曾指導他要思考服裝是為誰而做，其親自試穿的工作方式更讓他深刻體會身體與服裝的緊密關係。「與 H&M 或 GU 這類大品牌合作，讓我得以觸及極為廣泛的受眾，深入洞察大眾的真實穿搭習慣與不同國家的消費者心理。」不同市場對季節、剪裁、穿着習慣與功能性的需求各異，這些具體條件都會影響設計。「有時需兼顧穿著的舒適自在，有時則要考量嚴格的季節性需求。這一過程促使我更深入思考，如何與廣大消費者進行對話，這確實徹底轉變了我的觀察角度。」

這些經驗也改變了 Rok 對「商業」的理解。對他而言，商業並不是創意之外需要額外處理的一層，而是設計過程本身需要思考的部分。「我認為設計與商業兩者必須緊密結合，不能完全拋開商業層面的考量。」當他設計一件衣服時，會站在顧客角度思考布料重量、柔軟程度，以及穿著者在工作或社交場合中是否能夠感到自信。

對於參加 YDC 的年輕設計師，Rok 建議在透過平台獲得認可後，下一步需找到目標客群，將創作才華轉化為市場能理解並接受的產品。這個過程需要明確自身價值，同時理解受眾的真實需求。

AI 改變速度，卻未必能取代觸感

當市場環境促使設計師加快思考節奏，AI 的出現更顛覆了創作速度。如今 AI 能在極短時間內生成草圖，成為研究與激發靈感的工具。 Rok 對此持開放態度，但認為 AI 仍無法取代服裝與人體之間最核心的實體連結。

「AI 確實是一個非常強大的工具，無疑會取代時尚產業中許多工作崗位。」他坦言大眾時尚（Mass Fashion）領域將迎來徹底改變。然而對 ROKH 而言，品牌的靈魂建立在人的真實情感與實際穿著體驗之上。「衣服最終是要穿在人體身上的，即便 AI 能生成圖像和視覺效果，但服裝的質感終究要試穿才能體會。」這正是他極少在創作中使用 AI 的原因。尤其是女裝設計中，布料與肌膚的觸感、服裝融入生活的舒適度，都是無法僅憑視覺圖像替代的。

這份對觸感的堅持，也在東京南青山舉辦的展覽式期間限定店「Rokh Aoyama Exhibition – Delicate Gesture」中得以體現。空間結合音效、藝術書籍與服飾，打造出數碼螢幕無法複製的實體感官體驗，深化了品牌與消費者的情感連結。

在社交媒體的速度裏，品牌如何保持深度

Rok 直言社交媒體帶來了創作節奏上的壓力。在快速更迭的媒體環境下，品牌需要持續產出內容以維持與受眾的連結。過去可以長時間打磨的作品，如今必須適應更為敏捷的發布步調。「在過去，你可以花很長的時間去慢慢打磨一件作品；但現在，你必須保持源源不絕的創作與更新，才能融入這股巨大的時代浪潮之中。」他所強調的「持續產出」並非盲目追逐潮流，而是要求設計師不斷深化品牌的敘事品質。

Rok 對品牌 Storytelling 的重視，其實與社交媒體環境形成直接關係。當一張圖片可以迅速被複製、一種視覺風格可以在短時間內流行，品牌真正難以被複製的部分，便是設計師自己的觀看方式與創作邏輯。「因為服裝背後的靈魂是設計師本身，我想深入探討的是我們製作服飾背後的哲學。」在他看來，即使是市場上常見的經典風衣，ROKH 仍然可以透過自己的剪裁、比例、情感與敏銳度建立區別。

這亦是他所說的品牌 DNA——它不是一個可以簡單寫在品牌簡介裏的形容詞，而是在長期創作之中逐漸形成的判斷標準。當設計師面對下一季、下一個合作、下一個市場時，仍然能夠從同一套核心邏輯出發，品牌才會真正形成自己的辨識度。